MEMBRANA 1

LGI

La primera pregunta se desvía inevitablemente hacia los tiempos del origen. Me gustaría recordar cómo empezó todo; hay una inevitable relación familiar con las artes visuales en tu caso, pero no sé si eso fue relevante en tus primeras aproximaciones a la obra de arte como suceso. Recuerdo en tus inicios una producción que giraba en torno a la inestabilidad del yo y las fracturas del sí mismo dentro del mundo contemporáneo; tus investigaciones te llevaron a usarte como sujeto-objeto de la representación. La fotografía y el video eran entonces los principales materiales de tu trabajo… ¿Qué había allí? ¿Qué te ocupaba en ese momento? ¿Cómo se delinearon esas apuestas visuales por la fragilidad arquitectural de un lugar deshabitado, por la presencia-ausencia de un sujeto transpuesto que se multiplica en halos de luz, por el surgimiento de esos micro espacios en esquinas confusas: puertas por abrir, manchas del perímetro, materias por deliberar, vagas aproximaciones y desapariciones constantes.

La infancia, yo creo, determina muchas cosas, incluso si estas quedan alojadas en el inconsciente y no se nos hacen evidentes o fáciles de revisar. Las experiencias participativas en los videos de mi madre (Nela Ochoa), y vivir rodeada de las pinturas y el mundo de mi padre (Jorge Pizzani) son pilares de mi educación visual. Vivimos entre Caracas y Paris, y luego un tiempo en Turmero con mis abuelos. Supe de estos contrastes desde temprana edad, del añorar y de ser de otro lugar que el resto de las personas.

Con respecto a tu pregunta sobre los inicios de ese yo fragmentado, un quiebre a nivel personal causado por mi migración a Nueva York disparó esos procesos. Pasé de vivir en un lugar al cual pertenezco y trabajar en pro de su ambiente y naturaleza a vivir en la megalópolis de NY, bastante sola y en un nuevo territorio. Pero fue ese cambio y el tiempo y espacio que allí se abrió lo que me llevó a desarrollar la fotografía de forma más seria, ya que siempre había sido un hobby. Comencé a exponer en NY con bastante rapidez y el sujeto del afuera me fue llevando al yo. De hacer detalles de musgos en los bosques de Turgua cuando visitaba a mi padre, a buscar texturas entre la nieve y las pisadas en el metro de NY, y así fui poco a poco mirando hacia adentro. Comencé a retratarme, aunque siempre hubo un juego en el cual me borraba o desaparecía y solo mostraba fragmentos de miradas, de movimientos o reflejos.

Para el 2007 cuando trabajamos juntas en la muestra Retratos Ausentes ya tenía un cuerpo de trabajo con estas imágenes y lo mostramos con Carmen Araujo en La Carnicería y Andreína Fuentes con su espacio en Miami. Ese tiempo de nuevo fue de grandes cambios. Me separaba de mi pareja en NY y volví a vivir en Venezuela por un tiempo. Mudaba de ciudad, mudaba de cuerpo y de espacio.

MEMBRANA 2

LGI

Luego viene la mutación hacia otros componentes del proceso artístico, aparecen la cerámica y el performance, profundizando también en el video como ambientación. ¿Qué produjo esa extensión de los elementos? Recuerdo un texto que escribí sobre tu muestra Vessel, donde hablaba de espacios de entrada y salida abordados a través de tres estrategias principales: el cuerpo y su doble en acciones fotográficas que los espejos multiplican hasta el infinito, el cuerpo y la máscara a través de viniles, pintura y fragmentos que solapan y ocultan los rastros de la identidad; y el cuerpo agredido donde la propia piel se disuelve en la materia arcillosa a través de incisiones, rendijas, heridas y cortes. Me interesa mucho en esta etapa de la membrana, saber cómo sucedió esa expansión de los elementos y también que me hables de cómo entonces —creo yo— aquel cuerpo filosófico del proceso fotográfico comenzó a convertirse en cuerpo político: el tema de la equidad y de la lucha política de la mujer en distintas épocas fue un extenso campo que vino a abrigar tu producción artística con y desde la materia. Cuéntame sobre esa prolífica diversidad de elementos que desde entonces has trabajado: placas fotográficas, gráfica, arcilla, cerámica, ambientaciones, video y muchos tejidos más…

LP

MEMBRANA 3

LGI

La tercera pregunta parte entonces de allí y viene ya hacia el campo actual, pensando en tu obra en estos momentos. Aquí hay dos cosas que desde mi punto de vista se mezclan. Una, es tu vida como migrante la cual ya nombraste, pero me parece crucial porque tienes muchos años fuera del país y además es una especie de vida migratoria compuesta de diversas transiciones… ¿Cómo repercute eso en tu trabajo, en tu reflexión como artista y en tu nacionalidad distendida a múltiples territorios?

En segundo lugar, no sé si tiene que ver con la pregunta anterior —como puedes ver las preguntas han sido elaboradas tipo membrana pues en cada una se tejen varias inquietudes— , quiero decir, en tu trabajo actual ha empezado a despuntar un tema o una preocupación global por las relaciones entre cuerpo, sociedad, poder y naturaleza. En medio de pandemias y caos, de conflictos bélicos, totalitarismos y cegueras generalizadas, y por entre el conjunto de esas convulsas dicotomías que afectan en sobremanera el desarrollo de nuestro cuerpo cívico, privado y social, pareciera que esa fusión del ser con la naturaleza, que ese respeto o devoción por lo que no hemos respetado desde las sociedades industriales, aflora ahora en tu desarrollo creador de una manera contundente y, parece que en estos tiempos membrana, es una vuelta al origen. ¿Podríamos pensar que has regresado, luego de muchas migraciones a aquellos estudios de biología, a las ONG ambientales de las que partiste para convertirte en artista? ¿Será mi querida Lucía que te has vuelto una con ese todo original del que una vez saliste a explorar otras cartografías? Y si es así… ¿Cuál es el ciclo que has cumplido? 

LP

La idea de los ciclos ha estado muy presente en mi obra. He hecho referencia a la imagen del Ouroboros, esa culebra que se muerde la cola, en varias ocasiones. Las metáforas de transformación y renovación las he explorado a través de los capullos y la mariposa en El Adorador de la Imagen presentada en la Sala Mendoza como resultado de haber recibido el XI Premio Mendoza, y en simultáneo con Mariposario en Oficina#1, ambas en Caracas en 2014. Las cerámicas con sus múltiples capas de esmaltes casi en estado de ebullición fueron llevadas a una escala humana a través de los capullos textiles que hice para el video Las Cáscaras y las placas de Collodión Húmedo, que fueron adquiridas el año pasado por TATE y están también en la colección del Archivo de Fotografía Urbana, e incluidas en esta muestra. Los capullos estaban habitados por mujeres, quienes intentaban salir de esa piel, esta idea recurrente de una segunda piel la he manifestado a través de varios medios y estrategias.

Una de mis obras más recientes, como tu bien dices, vuelve al origen, a mi país y a la naturaleza y responde a las crisis ambientales que estamos viviendo a nivel planetario. Se trata de la instalación Acorazada presentada en la exposición PlanetB: Climate Change and the New Sublime curada por Nicolas Bourriaud, que abrió hace un par de meses en simultáneo con la 59 ava Bienal de Venecia en el Palazzo Bolanni.

El punto de partida de esta obra fueron los collages que hice durante el confinamiento por el Covid. Encerrada en mi taller me vi rodeada de libros y revistas que venía coleccionando con imágenes de cortezas de animales y al mismo tiempo de paisajes de parques nacionales Venezolanos.

Aquí estos caparazones y pieles me sirven de armadura de protección, pero es una protección dentro y como parte de la naturaleza. Al usar el pangolín quien fuera encontrado como la especie donde el Covid mutó y luego se trasmitió a los humanos, intenté más bien hacer ver que la naturaleza no es la fuente de la enfermedad si no una protección contra ella. Al deforestar, eliminamos la barrera que impide que muchos virus lleguen a nosotros y al traficar con estos animales empeoramos aún mas la situación.

Otro grupo de obras importante de las cuales hemos incluido varias en Tiempo Membrana son las que hice durante mi residencia en Casa Wabi. El proyecto que desarrollé allá titulado Seres Vegetales consistió en una instalación de esculturas de terracota texturizadas con plantas locales de interés medicinal y/o alimenticio que quedó montado de forma permanente en el Jardín Botánico de Puerto Escondido. También desarrollé una serie de fotografías con las mismas especies donde estas se vuelven parte de mi cuerpo, el brazo se vuelve árbol y los dedos son una mezcla de corteza y piel.

Al descubrir que Oaxaca significaba Tierra de Guajes en Nahuatl, debido a la variedad de estas vainas cargadas de semillas de árboles increíbles, decidí incorporarlos de diversas formas al proyecto. Las esculturas del botánico están hechas cada una con una especie y ahora son parte de recorridos educativos para los visitantes. Para los talleres de barro en Casa Wabi hice una serie de sellos con dichas plantas, para que las escuelas que visitan los usen creando máscaras y objetos utilitarios.

Finalmente también use los guajes en una serie de impresiones solares hechas el día del solsticio de verano, como un homenaje a la estrella que hace posible la vida en la Tierra. Usando tintas fotosensibles sobre papel y pintando con ella y con las sombras dejadas por las plantas, realicé figuras antropomórficas y otras más abstractas. En esta exposición las llevé a tela de muselina para que floten en los espacios de Casa de Hacienda y se transformen nuevamente en otra piel, en otra membrana.

Todos estos intentos de volverme uno con lo que nos rodea a través del barro que es la tierra misma, las plantas y sus cortezas, los animales y sus corazas no dejan de cuestionar la materialidad. Quizás es la pregunta sin respuesta sobre nuestra propia corporalidad,  ¿de qué estamos hechos? ¿cómo viajamos en este envoltorio a través del tiempo? quizás somos una existencia dentro de una membrana…